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La National Gallery o Galería Nacional es el principal museo de arte de Londres, situado en la parte norte de Trafalgar Square en la ciudad de Westminster, en Londres central. Fue inaugurada en 1824, tiene una colección de más de 2300 pinturas que datan desde mitad del siglo XIII a 1900.[nota 1]Exhibe pintura europea de 1250 a 1900, procedente de la colección nacional de arte del Reino Unido. La escultura y las artes decorativas se encuentran en el Victoria and Albert Museum. El Museo Británico exhibe arte antiguo, arte no occidental, grabados y dibujos y el arte contemporáneo está en la Tate Modern. Parte del arte británico lo encontramos en la National Gallery, pero la mayor parte de la colección nacional de arte británico se encuentra en la Tate Britain. La galería es una caridad exenta y un departamento público del de Departamento de Cultura, Media y Deporte.[1] Su colección pertenece al público de Inglaterra y la entrada a la colección permanente es libre de costo. Se encuentra entre los más visitados museos de arte en el mundo después del Musée du Louvre, el British Museum, y el Metropolitan Museum of Art.[2]
A diferencia de museos comparables en el continente Europeo, la Galería Nacional no se formó nacionalizando una colección real de arte. Se creó cuando el gobierno británico compró 38 pinturas de los herederos de John Julius Angerstein, un corredor de seguros y jefe de las artes, en 1824. Después de esa compra inicial, la galería se formó principalmente por sus primeros directores, destaca Sir Charles Lock Eastlake, y por donaciones privadas, las cuales permitieron el tener dos tercios de la colección.[3] El resultado de la colección es pequeña en tamaño, a comparación de muchas galerías nacionales europeas, pero enciclopédica en alcance; muchos de los mayores desarrollos en la pintura oeste "de Giotto a Cézanne"[4] son representados con importantes trabajos. Se solía decir que esta era una de las pocas galerías nacionales que tenía todas sus obras en exhibición permanente,[5] aunque este ya no es el caso.
El presente edificio, el tercero en albergar la Galería Nacional, fue diseñado por William Wilkins de 1832 a 1838. Solo la fachada en Trafalgar Square permanece esencialmente sin cambios desde su época, mientras el edificio se ha ido expandiendo a través de la historia. El edificio de Wilkin fue muchas veces criticado por la debilidad percibida en el diseño y por su falta de espacio; el problema lateral llevó al establecimiento de la Tate Gallery para el arte británico en 1897. El ala The Sainsbury, una extensión del oeste por Robert Venturi y Denise Scott Brown, es un notable ejemplo de la arquitectura Posmodernista en Inglaterra. El actual director de la Galería Nacional es Gabriele Finaldi.
Historia
[editar]El llamado por una Galería Nacional
[editar]![Realistic painting of a robed figure, arms extended, standing outside on a small platform among people doing various things such as talking to each other, but most of whom are looking at him.](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/Sebastiano_del_Piombo%2C_The_Raising_of_Lazarus.jpg/170px-Sebastiano_del_Piombo%2C_The_Raising_of_Lazarus.jpg)
El final del siglo XVIII vió la nacionalización de las colecciones reales por Europa. La colección bavaria real (ahora en la Pinacoteca Antigua de Munich) abierta al público en 1779, la de Medici en Florencia en 1789 (como la Galería Uffizi) y el Museo Francés en el Louvre fueron formados gracias a la colección real francesa en 1793.[6] Gran Bretaña, sin embargo, no emuló el modelo continental y la colección real británica permanece en posesión de la soberanía hoy en día. En 1777, el gobierno británico tuvo la oportunidad de comprar una colección de arte de estatuto internacional, donde los descendientes de Sir Robert Walpole pusieron su colección en venta. El MP John Wilkes argumentó por el gobierno para comprar este "invaluable tesoro" y sugirió que este fuera alojado en "una galería noble... que debía ser construida en un jardín espacioso del Museo Británico"[7] Nada vino de la apelación de Wilke y 20 años después la colección fue comprada en su totalidad por Catherine the Great; ahora se encuentra en el Museo del Hermitage en St Petersburg.
Un plan para adquirir 150 pinturas de la colección de Orleans, la cual fue traída a Londres para venderse en 1798, fracasó, a pesar del interés del Rey y el primer ministro, Pitt the Younger.[8] Las veinticinco pinturas de esa colección ahora en la Galería, incluyendo "NG1", llegaron por diversas rutas. En 1799 el comerciante Noel Desenfans ofreció una colección completa al gobierno británico; él y su socio Sir Francis Bourgeois la habían reunido para el rey de Polonia, antes de la Tercera Partición de Polonia en la abolida Independencia de Polonia en 1795 .[6] Esta oferta fue rechazada y Bourgeois legó la colección a su antigua escuela, Dulwich College, en su muerte. La colección abrió en la primera galería pública de Inglaterra, Dulwich Picture Gallery, en 1814. El comerciante escocés William Buchanan y otro coleccionista, Joseph Count Truchsess, formaron colecciones de arte como base para una futura colección nacional, pero sus ofertas respectivas (hechas el mismo año, 1803) fueron rechazadas.[6]
Siguiendo la venta de Walpole sale muchos artistas, incluyendo a James Barry y John Flaxman, habían hecho llamadas para el establecimiento de una Galería Nacional, argumentando que una escuela británica de pintura solo podía sobresalir si tenía acceso al canon europeo de pintura. La British Institution, fundada en 1805 por un grupo de conocedores británicos, trató de dirigir esta situación. Los miembros prestaro obras para exhibiciones que cambiaban anualmente, mientras una escuela de arte tomaba lugar en los meses de verano. Sin embargo, como las pinturas prestadas eran muchas veces mediocres,[9] algunos artistas resintieron la institución y la vieron como una oportunidad para que la nobleza subiera el valor de sus viejas pinturas.[10] Uno de los miembros fundadores de la institución, Sir George Beaumont, Bt, jugaría más tarde un rol mayor en la fundación de la Galería Nacional, ofreciendo un regalo de 16 pinturas.
En 1823 otra colección de arte mayor estuvo en el mercado, la cual pertenecía al reciente difunto John Julius Angerstein. Angerstein era un banquero nacido en Rusia residente en Londres; su colección constaba de 38 pinturas, incluyendo obras de Raphael y la serie de Casamiento a la moda de Hogarth. El 1 de julio de 1823 George Agar Ellis, un político liberal, propuso a la Cámara de los Comunes (House of Commons) que comprara la colección.[11] La apelación fue dada varios ímpetus por la oferta de Beaumont, la cual vino con dos condiciones: que el gobierno comprara la colección de Angerstein y que se encontrara en un edificio adecuado. El inesperado reembolso de una deuda de Austria movió al gobierno a comprar finalmente la colección por £57,000.
Fundación e inicios
[editar]![Drawing of a three storied building, seen from the street. Women in long dresses date the picture.](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d4/National_Gallery_at_100_Pall_Mall.jpg/170px-National_Gallery_at_100_Pall_Mall.jpg)
La Galería Nacional abrió al público el 10 de mayo de 1824, albergada en la antigua casa de Angerstein en el No. 100 de Pall Mall. Las pinturas de Angerstein se unieron en 1826 por aquellas de la colección de Beaumont, y en 1831 por el legado de 35 pinturas del Reverendo William Holwell Carr.[12] Inicialmente el conservador de las pinturas, William Seguier, llevaba la carga de manejar la Galería, pero en julio de 1824 parte de su responsabilidad cayo a nuevos miembros de confianza.
La Galería Nacional en Pall Mall era frecuentemente sobrepoblado y caluroso y su diminutivo tamaño en comparación con el Louvre de Paris era la causa de la vergüenza nacional. Pero Agar Ellis, ahora un encargado de la galería, valoraba el sitio por estar "en la misma pasarela de Londres"; esto fue visto como necesario para la Galería para llenar su propósito social.[13] El hundimiento en el No. 100 causó que la Galería se moviera brevemente a el No. 105 de Pall Mall, el cual el novelista Anthony Trollope describe como "lúgubre,sin brillo, angosta, mal adaptada para la exhibición de los tesoros que poseía".[13] En consecuencia, esto tuvo que ser demolido para abrir un camino a la Terraza Carlton House.[14]
En 1832 la construcción empezó en un nuevo edificio por William Wilkins en el sitio de King's Mews en Charing Cross, en un área que había sido transformada en los 1820s en Trafalgar Square. La ubicación era significante, entre el adinerado West End y las pareas mas pobres en el este.[15] El argumento de que la colección pudiera ser accesada por personas de todas las clases sociales trajo otras preocupaciones, como la contaminación de Londres central o las fallas del edificio de Wilkins, cuando la oportunidad de moverla a South Kensington fue debatido en los 1850s. De acuerdo con la Comisión Parlamentaria de 1857, "La existencia de las imágenes no es el propósito final de la colección, pero los medios solo para dar a las personas una ennoblecedora alegría".[16]
De 1837 hasta 1868 la Academia Real estaba albergada en el ala este del edificio.
Crecimiento bajo Eastlake y sus sucesores
[editar]Directores de la Galería Nacional | |
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Sir Charles Lock Eastlake | 1855–1865 |
Sir William Boxall | 1866–1874 |
Sir Frederick William Burton | 1874–1894 |
Sir Edward Poynter | 1894–1904 |
Sir Charles Holroyd | 1906–1916 |
Sir Charles Holmes | 1916–1928 |
Sir Augustus Daniel | 1929–1933 |
Sir Kenneth Clark | 1934–1945 |
Sir Philip Hendy | 1946–1967 |
Sir Martin Davies | 1968–1973 |
Sir Michael Levey | 1973–1986 |
Neil MacGregor | 1987–2002 |
Charles Saumarez Smith | 2002–2007 |
Sir Nicholas Penny | 2008–2015 |
Gabriele Finaldi | 2015– |
Las pinturas del siglo XV y XVI estaban en el centro de la Galería Nacional y por los primeros 30 años de sus existencia las adquisiciones independientes hechas por los encargados eran principalmente obras del alto renacimiento. Su gusto conservador resultó en varias oportunidades perdidas y el manejo de la galería cayó después en completo desorden, con ninguna adquisición hecha entre 1847 y 1850.[17] Un reporte crítico de la Cámara de los Comunes en 1851 llamó por una cita del director, cuya autoridad sobrepasaba la de los encargados. Muchos creyeron que la posición iría a el historiador de arte Gustav Friedrich Waagen, de quien la Galería había consultado en previas ocasiones acerca de la luz y la presentación de la colección. Sin embargo, el hombre preferido para el trabajo para la reina Victoria, Prince Albert y el primer ministro, Lord Russell, era el cuidador de pinturas de la Galería, Sir Charles Lock Eastlake, quien era presidente de la real academia, jugando un rol esencial en la fundación de la sociedad de Arundel y conocía a la mayoría de los expertos en el arte de Londres.
![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1c/Piero%2C_battesimo_di_cristo_04.jpg/170px-Piero%2C_battesimo_di_cristo_04.jpg)
El gusto del nuevo director era el del temprano renacimiento del norte de Italia (obras "primitivas"), el cual fue negado por la política de adquisición de la Galería pero empezó a tener distinción lentamente por conocedores. Eastlake hizo tours anuales por el continente e Italia particularmente, buscando pinturas apropiadas para comprar para la Galería. Con esto, él compró 148 imágenes en el extranjero y 46 en Inglaterra,[18] de las cuales muchos trabajos seminales como la Batalla de San Romano de Paolo Uccello . Eastlake también recolectó una colección de arte privada durante su período, consistiendo de pinturas que sabía no interesaban a los encargados de la Galería. Su última meta, sin embargo, fue que estas entraran a la Galería Nacional; esto fue arreglado posterior a su muerte por su amigo y sucesor como director, William Boxall, y su esposa Lady Eastlake.
La ausencia de espacio en la Galería permanece grave en este periodo. En 1845, un largo legado de las pinturas británicas fue hecho por Robert Vernon; no había suficiente espacio en el edificio de Wilkins así que fueron expuestos primero en la casa de Vernon en el No. 50 de Pall Mall y después en la casa de Marlborough.[19] La Galería fue aun más inequipada por su siguiente legado mayor,pues J. M. W. Turner iba a legar el contenido entero de su estudio, exceptuando obras sin terminar, a la nación después de su muerte en 1851. Las primeras 20 de estas fueron expuestas en la casa de Marlborough House en 1856.[20] La estipulación del testamento de Turner que dos de sus pinturas debían ser expuestas a lado de obras de Claude[21] aún se cumple en la sala 15 de la Galería, pero su legado no ha sido expuesto adecuadamente en su totalidad; hoy sus obras estan divididas entre Trafalgar Square y la Galería de Clore, una pequeña extensión construida a la Galería Tate completada en 1985.
El tercer director, Sir Frederick William Burton, presentó la fundación de la colección del arte del siglo XVIII e hizo varias compras sobresalientes de la colecciones privadas inglesas. La adquisición en 1885 de dos pinturas del Palacio de Blenheim, Ansidei Madonna de Rafael y Van Dyck's Equestrian Portrait of Charles I, con un record de £87,500 del Tesorero, llevó a la Galería a la "época oro de coleccionar" a un fin, mientras el presupuesto anual de compras fue suspendido por varios años.[22] Cuando la Galería compró Ambassadors de Holbein del Earl of Radnor en 1890, lo hizó con la ayuda de individuos privados por la primera vez en la historia.[23] En 1897 la formación de la Galería Nacional del Arte Británico, conocido no oficialmente desde el inicio en su historia como la Galería Tate, permitió que algunas obras británicas se movieran de sitio, siguiendo el precedente impuesto por la colección de Vernon y el legado de Turner. Obras de artistas nacidos después de 1790 fueron movidas a la nueva galería en Millbank, lo que permitió que Hogarth, Turner y Constable permanecieran en Trafalgar Square.
Principios del Siglo XX
[editar]![Realistic painting of a nude woman seen from behind, reclining on a couch. She is looking at her reflection in a mirror held by a winged child.](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7c/RokebyVenus.jpg/220px-RokebyVenus.jpg)
La crisis de agricultura a principios del siglo XX causó que muchas familias aristócratas vendieran sus pinturas, pero las colecciones nacionales británicas fueron puestos fuera de precio por el mercado por los plutócratas norteamericanos.[24] Esto provocó la fundación de la Fundación Nacional de Colecciones de Arte, una sociedad de suscritores dedicados a detener el flujo de obras de arte a Estados Unidos. Su primera adquisición para la Galería Nacional fue Rokeby Venus de Velázquez in 1906, seguido del Portarretrato de Christina de Dinamarca de Holbein en 1909. Sin embargo, a pesar de la crisis de las fortunas aristocrátas, la siguiente década fue una de varios grandes legados de colectores privados. En 1909 el industrialista Dr Ludwig Mond dió 42 pinturas italianas renacentistas, incluyendo la Mond Crucifixion de Raphael, a la Galería.[25] Otros legados importantes fueron aquellos de George Salting en 1910, Austen Henry Layard en 1916 y Sir Hugh Lane en 1917; el último de estos fue uno de los legados más controversiales de la Galería.
En un raro ejemplo de protesta política donde Trafalgar Square es famoso, ocurriendo en la Galería Nacional, Roke by Venus fue dañada el 10 de Marzo de 1914 por Mary Richardson, una protestante por el sufragio de la mujer, en protesta en contra del arresto de Emmeline Pankhurst el día previo. Después ese mes otro sufragio ataco cinco Bellinis, causando que Galería cerrara hasta el inicio de la Primer Guerra Mundial, donde la union social y política de la Mujer llamaron a un fin de los actos violentos para llamar la atención a sus causas.[26]
La recepción del arte impresionista en la Galería tuvo un excepcional tormentoso inicio. En 1906, Sir Hugh Lane prometió 39 pinturas, incluyendo las Umbrellas de Renoir, a la Galería Nacional en su muerte, a menos que un edificio adecuado fuera construido en Dublin. Aunque ansiosamente aceptado por el director Charles Holroyd, fueron recibidos con extrema hostilidad por los encargados; Lord Redesdale escribió que "Yo espero pronto escuchar de un servicio Mormon siendo conducido en la Catedral de San Pablo para ver la exhibición de las obras de los rebeldes del arte moderno francés en precintos sagrados de Trafalgar Square".[27] Tal vez como resultado de tales actitudes, Lane Perhaps as a result of such attitudes, Lane enmendo su testamente con un codicilio de que las obras solo debían ir a Irlanda, pero creucialmente esto nunca fue visto.[28] Lane murió a bordo de RMS Lusitania en 1915, y una disputa empezó que no se resolvió hasta 1959. Parte de la colección esta ahora en permanente préstamo a la Galería de Dublin y otras obras rotaron entre Londres y Dublin cada pocos años.
Una colecta para la compra de pinturas modernistas establecida por Samuel Courtauld en 1923 compró Bathers at Asnières de Seurat y otras notables obras modernas por la nación;[29] en 1934 esto se transfirió de la Galería Nacional al Tate.
Segunda Guerra Mundial
[editar]![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/49/The_Evacuation_of_Paintings_From_London_during_the_Second_World_War_HU36302.jpg/220px-The_Evacuation_of_Paintings_From_London_during_the_Second_World_War_HU36302.jpg)
Poco tiempo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas fueron evacuadas por varias ubicaciones en Wales, incluyendo Penrhyn Castle y los colegios universitarios de Bangor y Aberystwyth.[30] En 1940, mientras la Batalla de Francia bramaba, un hogar más seguro fue buscado y hubo discusiones sobre mover las pinturas a Cánada. Esta idea fue firmemente negada por Winston Churchill, quien escribió en un telegrama al director Kenneth Clark, “entiérralas en cavernas o celdas, pero ninguna pintura debe dejar estas islas”.[31] En lugar una cantera de pizarra en Manod, cerca de Blaenau Ffestiniog en el Norte de Wales, fue requisado por el uso de la Galería. En la seclusión para la nueva ubicación de las pinturas, el encargado (y futuro director) Martin Davies empezó a compilar catálogos escolares en la colección, ayudado por el hecho de que la librería de la Galería estaba guardada con la colección. La mudanza a Manod confirmó la importancia de guardar las pinturas a una temperatura y humedad constante, algo que los conservadores de la Galería habían sospechado pero no habían podido probar.[32] Esto eventualmente resultó en la primera galería con aire acondicionado en 1949.[19]
Por el transcurso de la guerra Myra Hess,y otros músicos, como Moura Lympany, dieron recitales en el almuerzo en el vacío edificio, para levantar la moral en el tiempo donde toda sala de concierto en Londres estaba cerrada.[33] Un número de exhibiciones de arte fueron puestas en la Galería como complemento de los recitales. La primera de estas fue Pintura británica desde Whistler en 1940, organizada por Lillian Browse,[34] quien también montó la más grande retrospectiva conjunta Exhibición de Pinturas por Sir William Nicholson y Jack B. Yeats colocada desde el primero de enero – 15 de marzo de1942, la cual fue vista por 10,518 visitantes.[35][36] Exhibiciones de obras de artistas de guerra, incluyendo a Paul Nash, Henry Moore y Stanley Spencer, fueron también colocadas; el Comité del Consejo de Artistas de Guerra fueron puestas por Clark en orden de "mantener los artistas en el trabajo por cualquier pretexto".[37] En 1941 una solictud de un artista para ver el Portarretrato de Margaretha de Geer de Rembrandt (una nueva adquisición) resultando en el tema de la "Pintura del Mes" , donde una sola pintura era removida de Manod y exhibida al público en general en la Galería Nacional cada mes. El arte crítico Herbert Read, escribiendo este año, llamando la Galería Nacional "un puesto desafiante de la cultura en la mitad de una metropolis bombeada y a pedazos".[38] Las pinturas regresaron a Trafalgar Square en 1945.
Desarrollo Post-guerra
[editar]En los años posteriores a la guerra, las adquisiciones se convirtieron increíblemente difíciles para la Galería Nacional mientras los precios por viejas obras –y aún más por las impresionistas y posmodernistas – habían subido más allá de sus medios. Una de las compras más significantes de la Galería en este período serían imposibles sin el mayor interés público en ese entonces, incluyendo The Virgin and Child with St. Anne and St. John the Baptist de Leonardo da Vinci (comprado en 1962) y Titian’s Death of Actaeon (1972). La compra de la galería garantizada por el gobierno fue congelada en 1985, pero después ese año recibió una dotación de £50 millones de Sir Paul Getty, permitiendo compras mayores.[19] En Abril de 1985 Lord Sainsbury of Preston Candover y sus hermanos, el Hon. Simon Sainsbury y Sir Timothy Sainsbury, hicieron una donación que pudo permitir la construcción del ala de Sainsbury.[39]
El cargo de director de Neil MacGregor vió una mayor recolocación en la Galería, dependiendo de la clasificación de pinturas por la escuela nacional que había sido introducida por Eastlake. Una nueva colocación cronológica buscada en enfatizar la interacción entre culturas en lugar de características fijas nacionales, reflejando el cambio en los valores históricos desde el siglo XIX.[40] Sin embargo, los gustos Victorianos fueron rehabilitados: los interiores del edificio ya no eran considerados penosos y fueron restaurados y en 1999 la Galería aceptó el legado de 26 pinturas italianas barrocas de Sir Denis Mahon. A principios del siglo XX muchos consideraban el barroco lejos de los límites: en 1945 los encargados de la Galería declinaron comprar un Guercino de la colección de Mahon por £200. La misma pintura fue valuada por £4 millones en 2003.[41] El legado de Mahon se dio con la condición de que la Galería jamás quitaría ninguna de las pinturas o cobraría admisión.[42]
Artistas asociados | |
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Paula Rego | 1989–1990 |
Ken Kiff | 1991–1993 |
Peter Blake | 1994–1996 |
Ana Maria Pacheco | 1997–1999 |
Ron Mueck | 2000–2002 |
John Virtue | 2003–2005 |
Alison Watt | 2006–2008 |
Michael Landy | 2009–2013 |
Desde 1989, la galería tenía un programa en el que daba un estudio a artistas contemporáneos para crear un trabajo basado en la colección permanente. Ellos usualmente mantenían la posición del artista asociado por dos años y tenían una exhibición en la Galería Nacional al final de su ocupación.
Las respectivas competencias de la Galería Nacional y del Tate, las cuales habían sido contestadas por las dos instituciones, fueron más claramente definidas en 1996. 1900 fue establecido como el punto cortante de las pinturas en la Galería Nacional y en 1997 mas de 60 post-1900 pinturas de la colección fueron dadas al Tate en un préstamo de largo tiempo, en cambio de obras por Gauguin y otros. Sin embargo, la futura expansión de la Galería Nacional pudieron haber visto el regreso de las pinturas del siglo XX a sus paredes.[43]
En el siglo XXI, existían tres largas campañas de recaudación en la Galería: en 2004, para comprar Madonna of the Pinks de Rafael, en 2008, por Diana and Actaeon de Titian y en 2012, Diana and Callisto de Titian. Amas obras de Titian fueron compradas en tándem con la Galería Nacional de Escocia por £95 m. Ambos de estas obras mayores fueron vendidas por la famosa collección del Duque de Sutherland. La Galería Nacional es ahora valuada lejos del mercado de pinturas antiguas y puede solo obtener esas adquisiciones con el mayor interés del público; el director saliente Charles Saumarez Smith expresó su frustración ante esta situación en 2007.[44]
En 2014, la Galería Nacional fue el tema del documental por Frederick Wiseman. La película muestra la administración de la galería y los trbajadores, el laboratorio de conservación, tours docentes y como se montaban las exhibiciones de Leonardo Da Vinci, J. M. W. Turner y Titian en 2011–2012.[45]
Arquitectura
[editar]Edificio de William Wilkins
[editar]La primera sugerencia de la Galería Nacional en Trafalgar Square vino de John Nash, quien proyectó esto en el sitio de King's Mews, mientras un edificio parecido al Parthenon para la Real Academia ocupaba el centro de la plaza.[46] La recesión económica previno que esta idea se construyera pero una competencia por el sitio de Mews tenía lugar en 1831, donde Nash publicó un diseño con C. R. Cockerell como su co-arquitecto. La popularidad de Nash era grande en esa época, sin embargo, la comisión fue dada a William Wilkins, quien se involucró en la selección del sitio y subío algunos dinujos en el último momento.[47] Wilkins esperaba construir un "Templo de las Artes, nutriendo el arte contemporáneo a través de un histórico ejemplo",[48] pero la comisión fue opacada por el parsimonio y compromiso resultando una construcción destinada al fracaso en todas sus áreas.
![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d2/National_Gallery1836.jpg/250px-National_Gallery1836.jpg)
El sitio solo permitía por una construcción que fuera una profunda sala, y un taller y un cuartel fueron puestos detrás. [nota 2]Para exacerbar los asuntos, existía un derecho público a través del sitio de estos edificios, lo cual permitía acceso por pórticos en el lado este y oeste de la fachada. Esto tuvo que incorporar columnas de la demolida Casa Carlton y el resultado corto en la elevación que fue excesivamente baja, y un lejano intento del punto focal que se deseaba al final del lado norte. También reciclados eran las esculturas de la fachada, originalmente para el arco de mármol de Nasch pero abandonado debido a sus problemas financieros. [nota 3] La mitad del este del edificio albergaba la Academia Real hasta 1868, la cual disminuyó el espacio otorgado a la Galería.
El edificio era objeto del ridículo público antes de que fuera completo, así como una versión del diseño que había sido publicado por la Gaceta Literaria en 1833.[49] Dos años antes de su completación, su infama elevación en olla apareció en la pieza frontal de Contrasts (1836), un tratado influencial por A. W. N. Pugin, como un ejemplo de la degeneración del estilo clásico.[50] Hasta William IV (en su última expresión grabada) pensó que el edificio era un "hoyo horrible",[51] mientras William Makepeace Thackeray lo llamaba "una pequeña tienda de ginebra de un edificio".[51] El historiador arquitectónico del siglo XX, Sir John Summerson, hizo incapie en estas críticas tempranas cuando comparó el arreglo de la cúpula y dos diminutivas torretas en la línea de techo a "el reloj y vasos de un mantel, solo menos útiles".[47] El paisajismo de Trafalgar Square de 1840 de Sir Charles Barry, incluía una terraza al norte para que el edificio pareciera levantarse, respondiendo a uno de los puntos de queja.[14] Opiniones en el edificio han cambiado considerablemente por 1984, cuando el Príncipe de Wales llamando la fachada de Wilkins una "amada y elegante amiga", en contraste a la expuesta extensión. (See below)
Alteración y expansión (Pennethorne, Barry y Taylor)
[editar]La primera alteración significante hecha al edificio fue una gran galería agregada por Sir James Pennethorne en 1860–1. Decorada ornamentalmente en comparación con las salas de Wilkins, no obstante rompió las condiciones de hacinamiento dentro del edificio ya que fue construida sobre el pasillo de la entrada original.[52] No sorprendentemente, muchos intentos fueron hecho para remodelar completamente la Galería Nacional (como sugerida por Sir Charles Barry en 1853) o para moverla a espacios más capaces en Kensington, donde el aire era también más limpio. En 1867 el hijo de Barry Edward Middleton Barry propuso reemplazar el edificio de Wilkins con un edificio masivo clásico con cuatro cúpulas. El tema era un fracaso y críticas contemporáneas denunciaban el exterior "como un fuerte plagio a la Catedral de San Pablo".[53]
Con la demolición del taller, sin embargo, Barry fue capaz de construir la primer secuencia de la Galeria de grandes espacios arquitectónicos de 1872 a 1876. Construida como un policromo neo renasentista, las salas de Barry estaban ordenadas en un plano de cruz griegarodeando un octágono central. Aunque compensaba la arquitectura del edifcio de Wilkin, la nueva ala de Barry no era del agrado de los trbajadores de la Galeríam, quienes consideraban que su monumental aspecto estaba en conflicto con la función del espacio de exhibición. También, el programa decorativo de las salas no tomaba los contenidos de la galería; por ejemplo, el techo de la galería italiana del siglo XV y XVI, estaba inscrito con los nombres de artistas británicos del siglo XIX.[54] Aunque tenía esas fallas, las salas de Barry proveían una Galería con una fuerte planta baja. Esto fue toomado para las adiciones subsecuentes a la galería, resultando en la creación de un edificio con clara simetría.
![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Staircase_hall_of_the_National_Gallery%2C_London.jpg/220px-Staircase_hall_of_the_National_Gallery%2C_London.jpg)
La galería de Pennethorne fue demolida para la siguiente fase del edificio,un tema de Sir John Taylor extendió las salas norte de la entrada principal. El vestíbulo con cúpula de vidrio tenía pintadas decoraciones en el techo por la firma de la familia Crace quienes habían trabajado en las salas de Barry. Un fresco destinado a una pared sur nunca fue realizada y el espacio es ahora tomado por la pintura de Frederic, Lord Leighton: Cimabue's Celebrated Madonna carried in Procession through the Streets of Florence (1853–55), prestada por la Real Colección en los 1990s.[55]
Siglo XX: modernización versus restauración
[editar]![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5f/Boris_Anrep_mosaic%2C_The_National_Gallery_-_The_Awakening_of_the_Muses.jpg/170px-Boris_Anrep_mosaic%2C_The_National_Gallery_-_The_Awakening_of_the_Muses.jpg)
Adiciones posteriores al oeste llegaron más rectas pero mantenían coherencia con el edificio, poniendo con simetría el plano de Barry al este. El uso de mármol negro para los marcos de las puertas, continuaron, dando a las extensiones un grado de consistencia con las salas antiguas. El estilo clásico fue usado en la galería Nacional en 1929, cuando el estilo Beaux-Arts era construido, fundado por el comerciante de arte y encargado Lord Duveen. Sin embargo, no había sido antes de la llegada del siglo XX que empezaron reacciones hacia la acitud de Vicoria, manifestándose en la Galería. Desde 1928 a 1952, el piso de la entrada estaban pegados con una nueva serie de mosaicos por Boris Anrep, quien era amigo del grupo Bloomsbury. Estos mosaicos pueden leerse como una sátira del siglo XIX por la decoración de los edificios públicos, como dicho por el memorial de Alberti Frieze of Parnassus .[56] El mosaico central muestra El despetar de Los Museos incluyendo retratos de Virginia Woolf y Greta Garbo, subvirtiendo el tono de la alta moral por los victorianos antepasados, En lugar de las siete virtudes del cristianismo, Anrep ofreció su propio set de virtudes Modernas, incluyendo "Humor" y "Mente Abierta"; las figuras alegóricas son retratadas en sus contemporarios, incluyendo a Winston Churchill, Bertrand Russell y T. S. Eliot.[57]
En el siglo XX los interiores de la Galería victoriana cayeron fuera de la moda.[58] Las decoraciones del techo en el pasillo de la entrada no eran del gusto del director Charles Holmes, y fue obliterado por pintura blanca.[59]Las galerías del Norte, que abrieron al público en 1975, marcaron la llegada de la arcquitectura modernista en la Galería Nacional. En las habitaciones más viejas, los detalles clásicos principales fueron enfrentados por particiones y techos suspendidos, teniendo como objetivo crear arreglos neutrales qye no distrajeran la vista de las pinturas. Pero el compromiso de la Galería con el modernismo vivió poco; el estilo victoriano de 1980 ya no era considerado anathema y el programa de restauración empezó a almacenar los interiores del siglo XIX y XX a u apariencia original. sto empezó con reamoblar las salas Barry en 1985–6. De 1996 a 1999 las Galerías del Norte, consideradas en ese momento carecedoras de características arquitectónicas, fueron remodeladas en estilo clásico, un estilo más simplificado.[42]
Ala Sainsbury y adiciones posteriores
[editar]![See adjacent text.](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/National_Gallery_London_Sainsbury_Wing_2006-04-17.jpg/250px-National_Gallery_London_Sainsbury_Wing_2006-04-17.jpg)
La más importante adición al edificio en años recientes fue el ala de Sainsbury, diseñada por el postmodernista arquitecto Robert Venturi y Denise Scott Brown que albergaba la colección de arte renacentista construida en 1991. El edificio ocupa el sitio "Hampton" al oeste del edificio, donde una tienda departamental del mismo nombre estaba hasta su destrucción por el Blitz. a galería buscó expansión en espacio[cita requerida] y en 1982 una competencia tomó lugar para encontrar el arquitecto adecuado; la lista incluía propuestas radicales de alta tecnología de Richard Rogers, entre otras. El diseño que ganó fue el más votado, de la firma Ahrends, Burton and Koralek, quienes modificaron propuesta para incluir una torre, similar a la propuesta de Roger. La propuesta se dejó después de que el Príncipe de Wales comparara el diseño con un "monstruoso grano en la cara de un querido y elegante amigo",[60] El término "grano monstruoso", para un edificio moderno que llega a un entorno , se ha convertido en común.[61][62]
Una de las condiciones de la competencia de 1982 era que la nueva ala tuviera incluida oficinas comerciales al igual que espacio público de galería. Sin embargo, en 1985 se hizo posible dedicar la ampliación completamente a los usos de la Galería, debido a una donación de casi £50 millones de Lord Sainsbury y sus hermanos Simon y Sir Tim Sainsbury. Una competencia cerrada tomó lugar y los temas producidos fueron más restringidos que la competencia pasada.
En contraste con la rica ornamentación del edificio principal, las galerías en el ala Sainsbury Wing estan emparejadas y son íntimas, para contrastar con la pequeña escala de muchas pintura.[cita requerida] Las principales inspiraciones para estas salas eran las galerías de Sir John Soane para la Dulwich Picture Gallery y el interior de la iglesia de Filippo Brunelleschi (el revestimiento de piedra está en pietra serena, la piedra gris local de Florencia)[cita requerida] . lLas galerías norte alineadas con el eje central de Barry, para que existiera una sola vista en el interior de la Galería. Este eje es exagerado por el uso de la perspectiva falsa, ya que las columnas flanqueando el espacio se abrían gradualmente en tamaño hasta que el visitor alcanzaba el punto focal (en 2009), una pieza de Cima deThe Incredulity of St Thomas. El acercamiento posmodernista de Venturi a la arquitectura esta completamente evidenciado en el ala Sainsbury Wing, con las características de estilo de edificios como en el club de casas en Pall Mall, la escala Regia en el vaticano, las casas victorianas y los templos Antiguos de Egipto.
Siguiendo la peatonalización de Trafalgar Square, la Galería se encuentra comprometida con un plan para convertir las oficinas desocupadas en la planta baja en espacio público. Este plan también llenaría el desuso de los jardínes y haría uso de la tierra adquirida de la adjunta Galería Nacional de Portarretratos en St Martin's Place, que dió a la Galería Nacional en intercambio por la tierra de su 2000 extensión. La primera fase, el proyecto del ala este diseñado por Jeremy Dixon y Edward Jones, abierto al público en 2004. Esto propició un nuevo nivel de entrada en Trafalgar Square, llamado en honor a Sir Paul Getty. La entrada principal también fue reamoblada y abrió en Septiembre de 2005. Los proyectos posibles futuros incluían un "Proyecto del Ala Oeste" relativamente simétrico con el Proyecto del Ala Este, el cual permitiría una futura entrada en planta baja y abrir espacio público en algunas de las pequeñas salas e el lejano final este del edificio. Esto podría incluir una nueva escalera pública en el final de la fachada este. Aún no se ha anunciado fechas para los proyectos adicionales.
Controversias
[editar]![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/be/Titian_Bacchus_and_Ariadne.jpg/220px-Titian_Bacchus_and_Ariadne.jpg)
Una de las críticas más persistentes de la Galería Nacional, aparte de aquellos que la criticaban por su mal funcionamiento arquitectónico,es el de su política de conservación.Los detractores de la Galería la acusaron de tener un acercamiento erróneo a la restauración. La primera operación de limpieza en la Galería Nacional empezó en 1844 después de que Eastlake fuera cuidador, y fue el tema de ataques de la prensa después de que tres pinturas recibieran el tratamiento – una de Rubens, un Cuyp y un Velázquez – fueron revelados al público en 1846.[64] La más virulenta crítica a la Galería fue la de Twas J. Morris Moore, quien escribió una serie de cartas a The Times bajo el pseudónimo "Verax" saboteando la limpieza de la institución. Mientras un comité parlamentario de 1853 tomó lugar para investigar a la Galería de actividades erróneas.
![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/82/Vignetta-Punch-Restauro.gif/250px-Vignetta-Punch-Restauro.gif)
El más grande reclamo en contra de las técnicas radicales conservadoras en la Galería Nacional fue hace 66 años en los inmediatos años portguerra, siguiendo una campaña de restauración por el Jefe de Restauración Helmut Ruhemann mientras las pinturas estaban en Manod Quarry. Cuando las imágenes limpiadas fueron exhibidas al público en 1946 siguieron un furor con circustancias parecidas a las del siglo pasado. La crítica principal fue la exhaustiva disipación del barniz, que fue usado en el siglo XIX para proteger la superficie de las pinturasque se oscurecieron y decoloraron en el momento, lo cual resultó en la perdida de la harmonía de las pinturas, agregada por los artistas. La oposición a las técnicas de Ruhemann empezaron por Ernst Gombrich, un profesor en el Instituto de Warburg quien después en correspondenciacon un restaurador describió el tratamiento como ofensivo arrogante.[65] Una comisión de 1947 concluyó que ningún daño había sido hecho en los recientes tratamientos de limpieza.
![](http://178.128.105.246/cars-http-upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/55/George_Bellows_-_Men_of_the_Docks_-_1912_-_The_National_Gallery.jpg/250px-George_Bellows_-_Men_of_the_Docks_-_1912_-_The_National_Gallery.jpg)
La Galería Nacional también ha sido criticada por las pinturas atribuidas erróneamente. La decisión de Kenneth Clark en 1939 de renombrar un grupo de pinturas por artistas anónimos de la escuela de Veneciana así como obras de Giorgione (un artista con poca multitud debido a la rareza de sus pinturas) lo hicieron poco popular entre sus trabajadores. Recientemente, la atribución de una pintura del siglo XVII de Samson and Delilah (comprada en 1980) a Rubens fue contestada por un grupo de historiadores de arte, que creían que la Galería Nacional no había admitido el error de evitar pena a los involucrados en la compra, los cuales aun trabajan en la galería.[66]
En Febrero de 2014, Men of the Docks, por el artista estadounidense George Bellows, fue comprado por la Galería Nacional por $25.5 million (£15.6 million).Fue la primera pintura mayor Americana comprada por la Galería. El director Nicholas Penny tdió a la pintura una nueva dirección para la galería – una pintura no Europea en estilo europeo. Su venta fue controversial en E.U.A.. [67]
Colecciones Sobresalientes
[editar]-
Jan van Eyck,
The Arnolfini Portrait -
Leonardo da Vinci,
The Virgin of the Rocks -
Hans Holbein,
The Ambassadors -
J. M. W. Turner,
The Fighting Temeraire -
Vincent van Gogh,
Sunflowers
- Inglés o medieval francés: Díptico de Wilton
- Jan van Eyck: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
- Pisanello: La visión de san Eustaquio (Pisanello)
- Paolo Uccello: Batalla de San Romano, San Jorge y el dragón (Paolo Uccello, París)
- Rogier van der Weyden: La Magdalena leyendo
- Masaccio: Virgen y el Niño (Masaccio)
- Dieric Bouts: The Entombment
- Piero della Francesca: El bautismo de Cristo (Piero della Francesca)
- Antonello da Messina: Retrato de hombre (Antonello da Messina), San Jerónimo en su estudio (Antonello da Messina)
- Giovanni Bellini: Cristo en el monte de los Olivos (Bellini), Madonna del Prato, El dux Leonardo Loredan
- Piero Pollaiolo: El martirio de san Sebastián (Pollaiuolo)
- Sandro Botticelli: Venus y Marte (Botticelli)
- Hieronymus Bosch: La coronación de espinas (Bosco, Londres)
- Leonardo da Vinci: La Virgen de las Rocas, Cartón de Burlington House
- Albrecht Dürer, St Jerome in the Wilderness
- Michelangelo: Santo Entierro (Miguel Ángel), Madonna de Manchester
- Jan Gossaert: The Adoration of the Kings
- Raphael: Virgen Aldobrandini, Madona de los Ansidei, Retrato de Julio II, Virgen de los claveles, Crucifixión Mond, El sueño del caballero
- Tiziano: Alegoría de la Prudencia, Baco y Ariadna, Diana and Actaeon, Diana y Calisto, The Death of Actaeon, Retrato de Ariosto, Portrait of the Vendramin Family
- Hans Holbein el Joven: The Ambassadors
- Parmigianino: Portrait of a Collector, The Vision of Saint Jerome
- Agnolo Bronzino: Alegoría del triunfo de Venus
- Tintoretto: El origen de la Vía Láctea (Tintoretto)
- Pieter Bruegel the Elder: The Adoration of the Kings
- Paolo Veronese: The Family of Darius before Alexander
- El Greco: La expulsión de los mercaderes (El Greco, Londres)
- Caravaggio: Chico mordido por una lagartija, Los discípulos de Emaús (Caravaggio, Londres), Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (Caravaggio, Londres)
- Peter Paul Rubens: The Judgement of Paris
- Nicolas Poussin: La adoración del becerro de oro
- Diego Velázquez: Cristo en casa de Marta y María (Velázquez), Venus del espejo
- Anthony van Dyck: Equestrian Portrait of Charles I
- Claude Lorrain: Puerto con el embarque de la Reina de Saba
- Rembrandt: Self-Portrait at the Age of 34, El festín de Baltasar (Rembrandt), Autorretrato a la edad de 63 años
- Johannes Vermeer: Lady Standing at a Virginal, Mujer sentada tocando la espineta
- Canaletto: The Stonemason's Yard
- William Hogarth: Retrato de los niños Graham, Marriage à-la-mode
- George Stubbs: Whistlejacket
- Thomas Gainsborough: El Señor y la Señora Andrews
- Joseph Wright of Derby: Experimento con un pájaro en una bomba de aire
- Francisco Goya: Portrait of the Duke of Wellington
- J. M. W. Turner: The Fighting Temeraire, Rain, Steam and Speed
- John Constable: El maizal, La carreta de heno
- Jean Auguste Dominique Ingres: Madame Moitessier
- Eugène Delacroix: Ovid among the Scythians
- Edgar Degas: Miss La La at the Cirque Fernando, Young Spartans Exercising
- Paul Cézanne: Las grandes bañistas (Cézanne, Filadelfia)
- Claude Monet: Snow at Argenteuil
- Pierre-Auguste Renoir: Los paraguas (1883)
- Henri Rousseau: Tigre en una tormenta tropical
- Vincent van Gogh: Los girasoles, A Wheatfield with Cypresses
- Georges Seurat: Un baño en Asnieres
Conexiones de Transporte
[editar]Service | Station/Stop | Lines/Routes served | Distance from National Gallery |
---|---|---|---|
London Buses ![]() |
Trafalgar Square / Charing Cross Station ![]() |
24, 29, 176 | |
Trafalgar Square ![]() |
6, 9, 13, 15, 23, 139 | ||
Trafalgar Square / Charing Cross Station ![]() |
3, 12, 88, 159, 453 | ||
Trafalgar Square ![]() |
3, 6, 12, 13, 15, 23, 88, 139, 159, 453 | ||
London Underground ![]() |
Charing Cross | ![]() ![]() |
|
Embankment | ![]() ![]() ![]() ![]() |
0.3-mile walk[68] | |
National Rail ![]() |
Charing Cross ![]() |
0.2-mile walk[69] |
Notas
[editar]- ↑ Esculturas y arte aplicado están en el Victoria and Albert Museum, el Museo Británico albergaba antes arte del este, pinturas y dibujos y el arte de fechas posteriores están en Tate Modern. Algunas obras de arte británico están en la Galería Nacional pero la Colección Nacional de Arte Británico esta principalmente en Tate Britain.
- ↑ St Martin's Workhouse (en el este) fue vaciada para la construcción de la extensión de E. M. Barry, donde las Barracas de St George se quedaron hasta 1911, supuestamente por la necesidad de tropas e apaciguar disturbios en Trafalgar Square. (Conlin, 2006, p. 401) Wilkins esperaba más espacio hacia el sur, pero fue negado porque un edificio ahi hubiera oscurecido St Martin-in-the-Fields.
- ↑ Son los siguientes: sobre la entrada principal, un redondel vacío (originalmente tenía la cara del Duque de Wellington) flanqueado por dos figuras femeninas (personificaciones de Europa y Asia/India, sitios de sus campañas) y un realce en la fachada este, Minerva de John Flaxman .
Referencias
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